Kritik

Inspiriert vom täglichen Leben, von dem, was sie beobachtet, erlebt, fotografiert und liest, wird Assunta Cassa immer wieder von dem angezogen, was „hinter den Fenstern“ und darüber hinaus passieren könnte. In ihren Ölpixeln erkennt sie eine ständige Dichotomie zwischen dem realen Leben und einem Leben, das von sozialen Medien, Videos, Bildern und ständiger Präsenz durchdrungen ist. Ihre Entscheidung, die Pixel von Hand und ohne digitale Verbesserungen zu erstellen, zeigt das Können der Künstlerin und verdeutlicht den Unterschied zwischen dem Leben in den eigenen vier Wänden oder am Arbeitsplatz und dem Leben, das ständig in den sozialen Medien auftaucht.

Wir leben eng mit sozialen Netzwerken verbunden, als wären wir in sie eingebettet. Wir führen ein Leben des Scheins, der ständigen Projektion, gefüllt mit Online-Bildern, bei denen wir aufhören zu ’sein‘ und nur noch an das Leben denken, um zu posten. So nimmt die Kunst von Assunta Cassa eine introspektive Rolle ein, denn sie extrahiert das reale Leben aus den Online-Bildern. Natürlich tauchen Bilder von New York auf, von Mädchen, die sich in die Lichter der Wolkenkratzer stürzen, von Frauen, die die Wolkenkratzer von Manhattan beobachten, oder die stolz durch das städtische Chaos spazieren. Es gibt viel über das weibliche Universum zu sagen, weshalb die Künstlerin Frauen als Protagonistinnen auswählt.

Ihre Entscheidung, urbane Themen für diese Veranstaltung zu bevorzugen, wirft ein Schlaglicht auf etwas, dessen wir uns voll bewusst sind: unsere ständige Begleitung durch die sozialen Medien, die uns zu jeder Tages- und Nachtzeit in ständige Verbindung zwingen. Jedes Werk ist eine intime Reflexion über das, was wir sind, leben und beobachten. Menschen, die Städte durchqueren, losgelöst von ihrer Umgebung, konzentriert auf ihre Mobiltelefone und ständig mit der gesamten Außenwelt verbunden, außer mit sich selbst.

In dem Bestreben, die Botschaft zu vermitteln, sich einer intimeren Realität bewusst zu werden und in Harmonie mit den städtischen oder natürlichen Elementen zu leben, indem man sich auf sich selbst konzentriert, entstehen auch verschiedene Werke, die das Ergebnis einer konstanten Vielseitigkeit und einer abwechslungsreichen Forschung sind, die sich auf Blicke konzentriert, auf Augen, die aus verschiedenen Blickwinkeln skizziert werden, wobei sich die Diskussion auch auf die männliche Sphäre öffnet.

Bei einer Farbwahl, die von persönlichem Geschmack und Instinkt diktiert wird, erkennt man, dass in jeder Farbe der Wille steckt, zu kommunizieren und beharrlich Botschaften zu senden. Die Pixel verschmelzen mit der Umgebung und stellen eine Verbindung mit der Welt her, die in dieser Kunst gipfelt und so die ‚Pixel Connection‘ hervorbringt.

Die Ausstellung ist ein Rückblick auf die Suche nach ‚Metropolitan‘ und auf die in schwarz-weißen ‚Boxen‘ eingeschlossenen Blicke. Es ist eine faszinierende Erfahrung zwischen Farben und Gesten, Rauten und Rechtecken und vor allem ein künstlerisches Abenteuer, das beim Betrachter aufgrund der verwendeten lebhaften Farben ein außergewöhnliches energetisches Gefühl hinterlässt, eine fesselnde Explosion, die Sie ins Innere des Kunstwerks bringt. ‚Brain rot‘ ist der Ausdruck des Jahres für das Oxford Dictionary, denn ständiges und ununterbrochenes Scrollen führt zum Verfall des Gehirns, zum kognitiven Verfall aufgrund der ständigen Beschäftigung mit oberflächlichen digitalen Inhalten. Die Kunst von Assunta Cassa lädt dazu ein, kritisch und bewusst über die Hyperkonnektivität nachzudenken, die geistige Erosion zu vermeiden und die Entwicklung emotionaler Verbindungen zu anderen, der Welt und der Natur zu fördern. Cassas akribische und originelle Technik, die sowohl ausdrucksstark als auch farbenfroh ist, ist eine Einladung zum „digitalen Entzug“ und regt zum Nachdenken, zur Begeisterung und zur Achtsamkeit an. Sie ist ein großartiger zeitgenössischer Ausdruck von Kunst, der dazu einlädt, authentische und tiefe Erfahrungen durch Kunst zu machen, die anregend und erfüllend ist.

Die Recherchen von Assunta Cassa sind noch im Gange, und sie kann nicht umhin, sich für weitere Entwicklungen in der Logik einer „neuen kulturellen Saison“ für ihr künstlerisches Wachstum zu öffnen. Es geht darum, in die Zukunft zu blicken und die Zeichen der Zeit zu erkennen, um neue künstlerische Produktionen zu fördern.

Die künstlerische Recherche, die Assunta Cassa bisher betrieben hat, stellt ein Karussell von Werken und Ideen dar, das so reich an Farben und Nuancen ist, dass man meinen könnte, sie wolle ihren gesamten Kosmos an Phantasie und Intellekt entleeren. Langsam und akribisch gleiten Gesichter und Ideen aus den Hell-Dunkel-Bildern hervor, um sich in den kräftigen Strichen und dem Ausdruck zu behaupten. Die verpixelten Gesichter spiegeln personifizierte Ideen wider und sprühen vor Leidenschaft durch die Intensität, mit der sie ihre innere Geschichte erleben. Cassas Pixel sind eine unabdingbare Referenz in ihrer bildnerischen Forschung: Um sie zu betrachten, müssen wir einen gewissen physischen Abstand einhalten, sonst sind die Bilder, die sie zusammensetzen, für uns unerreichbar und lösen sich in ein Durcheinander von Farben auf, bevor sie ganz verschwinden.

Die Pixel stehen für die zahllosen Punkte, aus denen sich die Darstellung eines digitalisierten Bildes auf einem Computerbildschirm zusammensetzt. Selbst für den Künstler, der den Weg in umgekehrter Richtung verfolgt, ergibt die Vereinigung all dieser winzigen Punkte das Bild, und die Zusammenführung aller Bilder ergibt dann das bewegte Bild.

Die bewegten Motive und die statische Qualität der Pixel sind die Paradoxa in den Beispielen, die Assunta Cassas charakteristischen Stil interpretieren und ein echtes Oxymoron in Bezug auf die Ereignisse ihrer künstlerischen Forschung darstellen.

Assunta Cassa widmete sich dem Studium von Pixeln, um eine dogmatische und kreative Seite herauszukitzeln. In dieser Tonart erweiterte sie später ihre Studien und malte Figuren, die ihr vertrauter waren. Insgesamt klingen ihre Porträts mit einem undefinierten, entfernten Renaissance-Echo.

Von diesem Zeitpunkt an weitet sich ihre künstlerische Produktion allmählich auf die Erkundung von Neuland aus, was durch widrige Ereignisse noch verstärkt wird, denen Cassa mit Hartnäckigkeit und Entschlossenheit begegnet, die sie jedoch ermutigen, all ihren Energien freien Lauf zu lassen.

Der Korpus der Sektion Libertà , der vollständig in Indigo gehalten ist, erfordert eine kontextuelle Lektüre der Bildtexte, die von der Belastung unserer Grenzen, Fehlern, Zurückweisungen, Krankheiten, unvorhergesehenen Ereignissen jeglicher Art sprechen, die ein Symptom für Rückschritt und Dekadenz sind. Diese Werke erlauben es uns, das Thema der Kunst von Assunta Cassa zu verstehen, die Figuren des zeitgenössischen Lebens zu einer organischen Ansammlung von Menschen formt, die den Reim und den Grund der Kunst in einer „übernatürlichen“ Perspektive offenbaren. Die Freiheit wird durch die Farbe Indigo symbolisiert, die die Künstlerin ausgewählt hat, vielleicht inspiriert durch Die Farbe Lila, Steven Spielbergs Film von 1985, der lose auf dem Roman von Alice Walker aus dem Jahr 1982 basiert. Warum nannte die bekannte Schriftstellerin Alice Walker ihren Roman Die Farbe Lila? Violett ist die Farbe der Blumen auf dem Feld, auf dem die Geschichte beginnt und endet, definiert durch die Worte: „Ich glaube, es macht Gott wütend, wenn man irgendwo auf einem Feld an der Farbe Lila vorbeiläuft und sie nicht bemerkt.“ Es ist auch die Farbe, die auf die Freiheit anspielt, von der die Frauen im Film träumen.

Wenn jeder von uns gefragt würde, welche Farbe die Freiheit für uns hat, wären die Antworten so unterschiedlich, wie jeder von uns unterschiedlich ist, und jede Schattierung, die es gibt, würde vorgeschlagen werden …

In den Werken von Assunta Cassa weitet sich der manierierte Raum dunkler Farben und strenger Kompositionen aus Eisenstangen zu leuchtenden Gesichtern, die vom Licht der Augen beherrscht werden, dem Teil des Körpers, der die Seele widerspiegelt; Augen, die den Verlust der Freiheit mit einem Überschuss an Licht zurückweisen.

Das Werk Why (2016) führt zur Wahrnehmung von Distanz, Einsamkeit und Zerbrechlichkeit, denn das Szenario, in dem sich das tägliche Leben abspielt, ist voller Leid und Zerbrechlichkeit.

Methafors (2017) ist ein Porträt, das Alphonso Johnson gewidmet ist, der als der beste Jazz-Fusion-Bassist der 1970er Jahre anerkannt ist. Das Werk war für das Cover des neuen Albums dieses berühmten amerikanischen Musikers bestimmt, der mit internationalen Künstlern wie Weather Report, Carlos Santana, Billy Cobham, Wayne Shorter, The Crusaders, Stanley Clarke, Quincy Jones, Sarah Vaughan, Phil Collins, Airto Moreira und Pino Daniele zusammenarbeitete. Auf dem Porträt hat sein Gesicht starke, männliche Züge und vermittelt den Eindruck, dass er unnahbar bleibt und völlig immun gegen die Verschmutzung des Ortes ist, an dem er sich befindet. Ein Zustand, den man meist nur bei „echten Menschen“ findet, deren Würde und Stolz die Luft mit einem positiven Hauch von Bewusstsein und Verantwortung durchdringt, begierig auf eine andere und bessere Zukunft.

So wechseln wir von der Freiheit, die in die Augen geätzt ist, im Stil der Großen und Reinen, zur Freiheit der Reise, die die Freiheit der Selbstbestimmung einschließt. Die Werke der Sektion Libertà spiegeln den Rückzug der Seele wider, wenn sie sich dieser Selbstbestimmung zuwendet. In der ikonografischen Entwicklung von Assunta Cassa ist die Identifizierung der Charaktere noch nicht ganz klar, während das einzelne Individuum auf der Suche nach bedingungsloser Freiheit und einer Identität an Land geht. Universelle Paradigmen der menschlichen Erlösung werden von intimen Vorschlägen begleitet, die zur Ermächtigung motivieren, Manifestationen der Müdigkeit der Routine, die über die Tretmühle der Arbeit und der vergehenden Tage nachdenken. Alles entwickelt sich in einem Prozess, der vom Universellen zum Individuellen, vom Rationalen zum Sentimentalen, vom Zufälligen zum Ungreifbaren reicht und ein totales, bedingungsloses intellektuelles Bewusstsein fördert, das die Sehnsüchte des Herzens entfacht und mit jedem Atom des Verstandes, des Herzens und der Kraft zu einem Akt der Liebe führt: ein Beispiel ist I ragazzi che si amano [Kinder, die sich lieben] von 2013.

Es besteht kein Zweifel daran, dass Assunta Cassa ihre scharfsinnige, kreative Kunst befreit hat, um zu sprechen und die Liebe zu erklären. Die Frau mit dem leichten Schritt(Con passo leggero, 2015) wird zum Synonym für geheimnisvolle, schwer fassbare Schönheit. Der Moment, in dem Bewegung und Licht aus dem Zug in Joie de vivre (2016) entspringen . Ein Glück, das diesem Ausgreifen ins Leben ähnelt, wenn die Freude und das Glück eines Mädchens in einem malerischen Lichtschein als Vorgeschmack auf die Glückseligkeit der Reise als Synonym für Freiheit, aber auch für Flucht, Versöhnung, Frieden erscheinen: Nichts ist schöner als die Vorfreude auf die Reise. Für die Künstlerin ist der Aufbruch eine kühne, magische Geste, die in der Seele derjenigen Freude auslöst, die der Freiheit einen Wert beizumessen wissen. Ihre Malerei ist voller wirbelnder, mitreißender innerer Träumereien, wie in der Fuga [Flucht] von 2014 , wo die Protagonistin der Leinwand nie durchsetzungsfähig und unnachgiebig war, sondern im Bewusstsein des Aktes zu zeigen scheint, dass sie es werden wird.

In dem Werk Restare [Bleiben] aus dem Jahr 2017 will uns die Künstlerin unbewusst in eine schwierige, dornige Entscheidung verwickeln. Vielleicht mit Schmerz im Herzen und in völliger Paradoxie, weil sie genau weiß, wovor sie flieht, aber nicht, was sie sucht. Und in diesem Fall sind Sehnsüchte wie Züge. Reisen ist wie Träumen …

Valigia [Suitcase, 2014] trägt dazu bei, die Reflexion darüber zu verstärken, wie das Leben seinen mysteriösen, vorherbestimmten Lauf nimmt. Wir wollen uns nicht vorstellen, dass das Mädchen von der Ungewissheit der Zukunft beunruhigt ist, aber die Wünsche sind jetzt ihre liebevollen Freunde. Sie sieht die Zukunft jeden Tag, wenn sie aus dem „Fenster“ ihrer Seele schaut, um die „Freiheit, eine Frau zu werden“ zu gebären. Der schönste Ort ist das eigene Herz.

Sinnlichkeit, Bewegung, Technik, deren Geste, Form und Materie nach dem fleischlichen Kitzel des Tanzes duften, den sie vermitteln, der das Auge fesselt, es aufruft und den Betrachter verführt, den Empfänger des Werks, der von einer Emotion benommen ist, die stärker ist als eine entzückende Verbindung, und der den inneren Aufruhr spürt, der durch die virtuosen Explosionen von Farbe und Materie ausgelöst wird. Das Thema, der Tanz, die Bewegung, die Schritte, die die kontinuierliche Existenz verschieben, einen Sekundenbruchteil entzünden und ihn für immer auf der Leinwand festhalten. Dynamische Erotik, aufsteigend und doch unbeweglich, schnell, unkontrollierbar im Geist und in der Leidenschaft, fähig, blitzschnell auszubrechen und die heftigsten Emotionen zu entfesseln, den schieren Schwindel der intensivsten Wahrnehmung. Die Betrachtung des Werks von Assunta Cassa ist wie eine Rückkehr zur Erbsünde, emotional gesprochen, eine Erfahrung des tiefen sinnlichen Eintauchens in den Farbwirbel und die pulsierenden Bewegungen der Figuren, aber auch des Raums, der daran teilnimmt und das Niemandsland dieser tastenden, erfreulichen Suche nach Schönheit ausfüllt.

Der auffälligste Aspekt der Arbeit dieser Künstlerin ist die Verwendung von schillernden Pixeln, die mit Gesichtern, Bewegungen und Seelenlandschaften gefüllt sind, die gerade von Tango erkundet werden. Wir sind gefangen in einer geschlossenen Schleife der Leidenschaft, während alles um uns herum natürlich fließt. Die Grenzen des Schattens und das rote Licht, das alles andere verschluckt, werden intensiviert. Das Oxymoron wird zu einem schwerelosen Schritt, dem schnellen Wiederaufleben einer Erinnerung und einer unendlichen Dynamik im Laufe der Zeit, an Orten, die von den Kontrasten von Rot, Violett und Schwarz, dem Zirkus und dem Theater und den Vororten der Stadt bevölkert sind.

Es gibt etwas, das das Schwarz verlässt, um den Farben Form und Leben zu geben, als wären sie der Nachwuchs, der in jedem Schoß getragen wird. Das Rot wirbelt über die Lippen, um sie zu beschwören. Der Tag zeichnet Wunder und Leidenschaft auf die Körper, ein vollständiger Ort, an dem die Identität der Verwundeten verloren geht und wir unsere Arme für den zerbrechlichen und menschlichen Akt einer Umarmung öffnen. Alles unterstützt die Leichtigkeit der Körper und da ist sie, die Seele, unter den Farben, ihr Wesen, das uns unser eigenes zeigt. Sie steht da, in einem Gefühl von mir, das bereit ist, geboren zu werden. Alles war da: der schnelle, bewegte Blick, die sanfte Berührung des Lichts in der intensiven, freien Erkundung der Dinge. Alles wird wie ein frisches Aufkommen von überwältigender Energie empfangen, eine unerklärliche Kraft, die über das Bild und das Auge hinausgeht und bereits zu einer Schwelle diesseits eines erweiterten Horizonts wird. Die Figuren tanzen inmitten der Bewegungen der Welt und der Tango jagt uns einen Schauer über den Rücken, ein weiterer Aspekt der Quelle, des Lebens, das uns bis zum Ende einholt, wo die rote Rose von Fingern gehalten wird, die über die Lippen gleiten. Explodierende Leidenschaften plündern die Herzen, einer steht dem anderen gegenüber, und die reichen Emotionen des Künstlers folgen den sich bewegenden Körpern und dem hartnäckigen Licht, das von einer feierlichen Stille überlagert wird. Dieser starke, gefällige Charakterzug bricht aus dem Kern heraus und zieht sich durch jeden Akt der Aufführung. Der Chor wendet sich uns zu, sieht uns in die Augen, unser Anderes, das im formlosen Schwarz eine tiefe Essenz gewinnt, die sich von unten nach oben erhebt, und eine feste, leichte Hand schwingt den Spachtel in lebendiger Palettenwahl.